Fijador para Pastel

'Dejarse llevar' 42x17 Pastel sobre Pastelmat

Estaba tardando demasiado en hablar de él. Y constituye una herramienta útil en muchos casos. El uso de fijador para pastel constituye la mejor forma de dar estabilidad a nuestra obra, permitiendo la aplicación de nuevas capas de pastel. Su aplicación debe ser mínima, ya que tiene el inconveniente de alterar el color original. He pulverizado (bastante) fijador en spray sobre una tira de papel con diferentes colores, en la qué podéis apreciar el cambio.
 

 

Os muestro cómo he realizado 'Dejarse llevar', en el que he utilizado fijador para Pastel. Primero he dibujado el motivo sobre papel Pastelmat Blanco. He utilizado un lápiz de Pastel Gris.

 

 

La zona del cielo y las nubes se me ha complicado un poco, aplicando demasiado pigmento en las zonas de sombra. No he conseguido captar bien los tonos y, a base de ir ajustándolos, ha llegado un momento en el que no he podido añadir más color.

 

Cada uno trabajamos de una forma, aplicamos los trazos con distinta intensidad. En mi caso, aplico los trazos demasiado fuerte, un poco impulsivamente. Bueno, es mi forma de trabajo PERSONAL! Me gusta dejar 'ahí' la materia!

 

 

Para poder seguir trabajando e ir añadiendo capas, he añadido algo de fijador para pastel en spray.

 

CONSEJO: Pulsad vuestro pulverizador fuera de la zona del cuadro, que en ocasiones la salida del líquido es algo violenta. Alejaos de la obra, no os peguéis a ella. Es conveniente aplicarlo en pasadas ligeras y esperar a que se seque si queremos aplicar mayor cantidad. Si aplicamos demasiado en una sóla vez, saturaremos el pastel y no adquirirá el suficiente mordiente para poder añadir más capas.

 

 

En la foto se puede apreciar el cambio en el color que os comentaba anteriormente. Pero al oscurecerse los colores, le da carácter y mayor fuerza. Esto nos puede ayudar en nuestro trabajo en muchas ocasiones y utilizarlo a nuestro favor. Los colores oscuros, en mi opinión, acusan mayores cambios de valor, potenciándose nuestras sombras. Podemos utilizarlo de forma selectiva, en zonas limitadas.

 

 

Aquí os repito el cuadro en tamaño inferior. Con muy poco trabajo recupero las luces. También podemos arreglar en este momento defectos en las formas de las manchas, ajustar algún valor 'perdido'.

 

Os muestro el Fijador para Pastel que utilizo normalmente: PerFix Colourless Fixative, de la casa Daler & Rowney. Altera mínimamente los colores, aunque huele fatal. Huelen todos! Casi todo es así en la Pintura! Ay, esa acuarela...

 

 

Está claro que el fijador es el Enemigo del Pastel, pero es el Amigo del Pastelista. Habrá ocasiones (ya hablaremos en más entradas de ellas) en las que necesitemos su ayuda. Aunque la primera vez que lo usamos siempre defrauda. Duele ver cómo cambia de color toda nuestra obra cuando lo aplicamos. Recuerda: ¡POCA CANTIDAD!

 

Quizás te interese el post Comparando fijadores para Pastel.

Pintar el Color de la Piel al Pastel

'Ojos de Marga' 42x17 Pastel sobre Mi-Teintes Touch

Alguno de vosotros se preguntará qué hace un retrato en un blog de Pintura de Paisaje al Pastel. Todo tiene su explicación. Quería dedicar alguna entrada a un tema del que os hablé anteriormente respecto a la Fabricación de Barras de Pastel: generar gamas cromáticas de colores. Pintar el color de la piel al Pastel  puede ser difícil si tu paleta de colores está orientada a pintar paisajes, y ese es mi caso: muchos amarillos, muchos azules y muchos mas verdes, pero pocos colores efectivos para crear la siempre variada y cambiante apariencia de la piel.

 

Hace un par de meses me apetecía realizar algún retrato al pastel, y necesitaba colores que me facilitaran la tarea. Realicé un par de gamas de colores, con las siguientes proporciones de pigmento:

Gama Piel I

• 1 vol. Siena Natural / 0,5 vol. Siena Tostada / Pizca Rojo
• 1,25 vol. Blanco Titanio / 0,25 vol. Sustituto Amarillo Cadmio

Este primera gama, son Siena Natural dominante, produce tonos más

anaranjados, y van mejor para zonas de luz.

Gama Piel II



• 0,70 vol. Siena Natural / 0,80 vol. Siena Tostada / Pizca de rojo
• 1,25 vol. Blanco Titanio / 0,25 vol. Sustituto Amarillo Cadmio

Esta segunda gama, al llevar más Siena Tostada,

produce colores más rosados. Van mejor en las sombras.

 

En las dos gamas que he generado, he ido aclarando el color inicial de la misma manera: añadiendo progresivamente blanco y amarillo. De este modo se pueden crear colores más luminosos, pero sin perder intensidad. Para generar un color más oscuro que el original, añado algo de Azul Ultramar, y no Negro, cómo hacen la mayoría de los fabricantes de Pasteles.

Cómo podéis ver, siempre anoto los datos correspondientes a cada gama de colores que creo. De esta manera siempre puedo repetir la fórmula para obtener aquellos colores que más utilizo, o ir haciendo variaciones en ésta para elaborar colores nuevos.

Más abajo os dejo una foto que realicé al finalizar la primera sesión de las dos qué dediqué a este 'Ojos de Marga', con casi toda la zona de la cara bastante definida. El color de fondo del papel lo aproveché para las zonas oscuras del pelo, utilizando algún ocre claro, gris casi negro y verdes neutros.
 

 

Os animo a qué de vez en cuando salgáis de vuestra zona de confort. Pintar Retratos al Pastel requiere un mayor esfuerzo a la hora de dibujar y plantear los valores de nuestro modelo: es cómo pintar un árbol que todo el mundo conoce. Pero también la satisfacción de lograr un parecido 'aceptable' es mayor!

 

A mi me ha resultado mucho más fácil de realizar que con técnicas húmedas. Esto de Pintar al Pastel es Fácil y Divertido!!!

Pintar Paisajes Pequeños al Pastel

'Tarde en el Carrascal' 18x13 Pastel sobre PastelMat

Está claro que cuándo empezamos a pintar con una nueva técnica, la práctica será nuestra mejor aliada para ir progresando y mejorando nuestra técnica, conocer nuestras herramientas y el color más a fondo. Para pintar mejor, ¡Hay que Pintar!

 

Otros artistas, cómo los músicos, no tienen esa suerte: han de pasar horas repasando escalas arriba y abajo (esclavos del tiempo), y practicar mucho con su instrumento para poder aprender. Su práctica no siempre consiste en interpretar música. Y menos tocar lo que les dé la gana, cómo hacemos nosotros!

 

En esta entrada quiero aconsejaros pintar paisajes pequeños al Pastel cómo una forma de optimizar y acelerar la práctica. Se pueden entender como bocetos, estudios de color, cada uno que lo llame como mejor le parezca. Yo los entiendo como obras en si mismas.

 

Pintar en formatos pequeños tiene multitud de ventajas. Por una parte, Ahorro de Material, ya que utilizaremos menos papel, menos pasteles, menos fijador, y marcos más baratos, y, por otra, Ahorro de Tiempo, al emplear menos tiempo en realizarlo. De esta forma evitaremos cambios en las luces y las sombras si pintamos en el exterior, y podremos realizar correcciones de forma muy rápida.

En cada obra que pintemos aprenderemos algo. Mejor pintar tres paisajes a la semana, que un paisaje durante tres semanas. Aprenderemos diez veces más deprisa! Si alguno de nuestros pequeños paisajes, espontáneo por definición, nos parece interesante para desarrollar una obra mayor, tendremos mucho trabajo hecho!

'Tarde en el Carrascal' está realizado sobre Papel Pastelmat Blanco, sin Underpainting. Cómo podéis ver, una composición supersencilla para poder centrarme en el contraste de las zonas de luz y sombra sobre el prado. A veces conviene simplificar algunos temas, para permitirnos experimentar en otros.

Pintar la Temperatura de la Luz

'Atardecer de Junio' 20x20 Pastel sobre DM

Uno de los aspectos más importantes cuándo pintamos un Paisaje al Pastel es mostrar la 'atmósfera' correcta de nuestro motivo. Qué el espectador de nuestra obra perciba en un primer momento su estacionalidad, si es verano u otoño, las condiciones atmosféricas e incluso el momento del día le permite ver acto seguido qué pasa en nuestro cuadro dentro de unas variables que él ya conoce y asume.

Y esa 'atmósfera' viene definida, aparte de por elementos asociados a determinada época, como las hojas amarillas en otoño o un prado verde con flores en primavera, por la Temperatura de la Luz. Este es un término que asociamos a la iluminación de interiores: una luz cálida hará más acogedora una estancia en casa, y una luz más fría será mas práctica en una pescadería, cosas así.

Cualquier paisaje mostrará los objetos expuestos a la luz natural, y según la 'tendencia' fría o cálida de esa luz, su color local (color real, sin alteraciones) se verá modificado. Nuestro trabajo consiste en encontrar esos colores modificados, mostrar las sutiles variaciones de valor e intensidad.

 

En 'Atardecer de Junio' está claro que la temperatura es cálida. Asumimos en cuanto lo vemos que se trata de la última hora del día; las sombras alargadas corroboran esa sensación. Las zonas iluminadas tienen colores cálidos: amarillos, naranjas,.. Todo aparece 'calentado' por esa tendencia. Esa luz amarillo-naranja lleva a las sombras a la zona de los fríos violetas-azules. 



 

Os dejo mi foto de referencia para que veáis cómo el verde de todo el prado, visible en la zona más cercana, se ve alterado por la luz a naranjas y por su ausencia a tonos violeta.

 

'Atardecer en Junio' està realizado sobre una un tablero Dm con una imprimación comercial de 'Colourfix Premier' en color Siena Natural de la marca 'Art Spectrum' que podéis apreciar en la foto de abajo. El color cálido de la imprimación me ayudó a entonar toda la obra. Ya os hablaré de mis experiencias con este tipo de imprimaciones comerciales.

 

'Colourfix Premier' Siena Natural

El Manchado al Pastel: Underpainting

'En el  Ultimo Momento' 42x17 Pastel sobre Tablero DM

Todos sabemos lo útil que resulta realizar un primer manchado de nuestro soporte antes de empezar a pintar nuestras obras. Siempre supone un salto al vacío empezar a poner un trazo, una pincelada sobre un fondo blanco. Por eso en muchos casos trabajamos sobre un soporte previamente coloreado.

 

Pintando al pastel, podemos realizar un Primer Manchado ó 'Underpainting' como inicio del trabajo, estableciendo una serie de manchas que son la base de nuestra composición. Este 'prepintado' puede realizarse con diferentes técnicas y con diferentes objetivos. El único límite es la resistencia del soporte a las técnicas húmedas. Los métodos más cómodos son los que usan el agua como medio, como la acuarela, el acrílico, el guache y el mismo pastel, lavado con agua. Para este fin también podemos utilizar alcohol, de secado más rápido.

 

Para 'En el Ultimo Momento', realizado sobre tablero DM con una imprimación de gesso y polvo de mármol de color gris, manché la superficie con un azul claro para el cielo, un azul verdoso para los árboles y un ocre rojizo para la pradera. Os recomiendo usar pasteles duros y muy poca cantidad: veréis cómo manchan nuestros pasteles! Después, con una paletina de 2cm y agua, extendí los colores por sus respectivas zonas. Más sencillo, Imposible!

  

 

Como podéis observar, empleé tonos algo oscuros, con el fin de plantear un trabajo con poca luz, propio de ese momento último del día en que poco a poco vamos dejando de distinguir los colores por la falta de luz.

 

 

Después de dejar que se secara bien el pintado (aprox. 30min) comencé a dar una capa de pastel, utilizando las barras de lado, con un 'toque' suave. Un malva claro sobre el cielo, algún gris verdoso frío para los árboles, un gris pálido para la hierba distante y un verde mas intenso para la más cercana.

 

Es esta fase añadí unas zonas distantes entre los árboles, que estaban en el original, para dar 'aire' a la composición. De esta forma el ojo del espectador puede entrar a través de el prado hasta el azul del horizonte y regresar de nuevo al prado para fijarse en el motivo del cuadro, las flores.

 

 

Aquí podéis ver el cuadro terminado. Lo repito aquí para qué podáis ver las diferencias con el paso anterior sin subir al principio de la entrada. Después de la anterior capa de color, modifiqué los bordes de los árboles y les añadí unos 'agujeros'. Suavicé el borde de la pradera con los árboles para dar sensación de lejanía, y añadí los toques de las flores con amarillos y algo de hierba con verdes variados. Algún toque de azul y morado para dar fuerza al amarillo.

 

Cuando acabas un Paisaje al Pastel en el has utilizado un Manchado previo, te queda la sensación de que éste te ha llevado de forma suave hacia adelante, facilitando en muchos aspectos nuestro trabajo. En cuanto al valor, es recomendable usar valores similares a los de nuestro motivo. El agua nos permitirá formar bordes tan definidos o difusos como queramos. En cuanto a los colores, hay 3 formas de realizarlo:

• MONOCROMATICA: Como valoración tonal de nuestro modelo, estableciendo las luces y las sombras con un sólo color. Muy útil para temas poco intensos, para crear 'atmósfera' y en condiciones climáticas de lluvia, niebla, humedad ó nieve. 

• COLORES ANALOGOS: Acercamiento al color de nuestro motivo con colores vecinos en el círculo cromático. Van muy bien para temas con bastante cielo, en los que podemos definir muy bien el cambio de valor

• COLORES COMPLEMENTARIOS: Utilizando los colores opuestos en el círculo cromático conseguiremos, tendremos una buena base para crear obras con mas fuerza, temas con más luz. Este método es mejor para temas con vegetación, pero no lo recomiendo para grandes cielos.

 

Yo lo utilizo con diferentes fines de forma simultánea: me resultan muy útiles para definir en la fase preliminar las zonas más oscuras, me aproximo al color de las diferentes manchas, y también lo uso para crear efectos con los colores. Y un consejo: DEJAD QUE VUESTRO 'UNDERPAINTING' RESPIRE! No lo tapéis por completo, pintad 'ligero', dejando que se vea a través de las capas superiores. No se por qué, pero yo tengo que concentrarme en ello para que no me ocurra!!